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Queer : la forêt luxuriante de Luca Guadagnino

Attention, cet article contient des spoilers

C’est dans les années 1950, aux États-Unis, que naît le mouvement littéraire et artistique de la Beat Generation. Ce mouvement, bien qu’hétérogène et scandaleux, est le signe d’une libération. Cette émancipation est artistique et poétique, tout autant qu’une ode au voyage et à la découverte sensuelle et sexuelle. Entre Howl du poète américain Allen Ginsberg et On The Road de Jack Kerouac, se place la prose de William S. Burroughs. 

Cet auteur marque son œuvre d’une certaine dose d’auto-fiction : son roman co-écrit avec Kerouac And the Hippos Were Boiled in Their Tanks — qui relate l’affaire de Lucien Carr et qui est adapté au cinéma avec le film Kill Your Darlings — en est le meilleur exemple. Cependant, son roman Queer, paru en 1985, est inspiré de sa propre histoire : le roman prend place dans le Mexico des années 1950 où Lee, un homme isolé et consommateur de drogue, rencontre Allerton, un jeune homme de passage dans la ville. Le récit prend un tournant lorsque Lee veut partir à la recherche d’une plante hallucinogène, le Yage, qui se trouve au centre de la jungle sud-américaine. Lee est, dans ce roman, William S. Burroughs lui-même. 

Ce roman est redécouvert par le grand public avec la sortie en 2024 de son adaptation, du même nom, réalisée par Luca Guadagnino. Ce réalisateur, connu pour son adaptation du roman Call Me By Your Name d’André Aciman, va plus loin que l’auteur dans la quête du Yage, au plus profond de la forêt tropicale.

L’adaptation de Luca Guadagnino dresse alors un double portrait des environnements où évoluent les personnages. D’un côté, se trouvent la ville et son enfermement, dans un état qui flirte avec le surréalisme. De l’autre, se dresse la forêt tropicale et dense, qui se révèle être le lieu de la libération, émotionnelle et spirituelle. L’état de l’un se complète et s’oppose à l’autre : ce film remet en perspective l’effet du lieu sur le personnage et le spectateur, en incarnant et en nourrissant son état. 

La ville, où l’état végétatif

La représentation de la ville dans le cinéma est versatile : tantôt signe de liberté, tantôt signe d’aliénation, elle se fait miroir de l’état de l’âme des personnages. Queer ne fait pas exception. La ville, comme lieu de développement de l’action, est exploitée dans la première moitié du film. Elle se veut reflet d’un enfermement et d’une passivité subie par les personnages, principalement dans le développement du personnage principal, Lee. Le processus de construction autour d’un état végétatif passe par plusieurs biais dans l’adaptation de Luca Guadagnino. 

La ville et sa mise en scène

L’enfermement passe d’abord par l’ambiance et le ton donné au film. Cela se construit avec plusieurs procédés qui se mettent en place dans Queer. De ce fait, les choix artistiques — concernant principalement la colorimétrie et les jeux de lumière — sont centraux. Cela est exploité de deux manières distinctes. 

  • La première, et la plus fréquente, est que Mexico est présentée comme une ville nocturne. Ainsi, la majorité des scènes se passent en pleine nuit : de ce fait, les couleurs sont sombres — principalement dans un camaïeux de bleus — et les sources de lumières sont artificielles — en passant soit par des néons, soit par des lampadaires. Cette utilisation d’une colorimétrie sombre et des lumières crues, propre à la nuit, traduit un enfermement spatio-temporel où se dresse l’impossibilité d’échapper au temps et où le personnage se retrouve bloqué dans l’espace qui lui est imposé. 
  • La seconde représentation montre Mexico en pleine journée et, bien que minoritaire, cette représentation expose la ville dans ce qu’on pourrait qualifier d’espace liminal. Défini comme un lieu, souvent vide, qui transmet l’impression de déjà-vu et la sensation d’être observé, l’espace liminal est surtout une esthétique utilisée et développée dans l’horreur d’internet. Cependant, sa transposition dans le film de Luca Guadagnino est possible : les lieux présentés en pleine journée dans Queer sont des lieux fermés, souvent un bar ; les couleurs majoritaires sont le jaune et le blanc, très populaire dans cet ethétique ; les lieux, bien que fréquentés, traduisent une grande solitude ; la lumière naturelle est indirecte, enfermant le sujet dans un lieu clos et dénaturé. À cela peut être ajouté le choix de faire de la zone urbaine un espace indéterminé : le signe d’enfermement passe aussi par la représentation de l’espace. Dans le film, la géographie des lieux est floue, insaisissable : avec le portrait de la ville, un labyrinthe se dresse devant le spectateur et impacte les personnages. Cette utilisation des lumières et des couleurs se fait donc moins sombre dans ces scènes, cependant, le sentiment d’enfermement qui semble inhérent à la ville ne quitte pas l’écran. 

Ainsi, la représentation de la ville est majoritairement sombre et contraint les personnages, ainsi que le spectateur, dans un espace clos. La colorimétrie, la lumière et l’utilisation de l’espace accessible par le personnage sont des notions centrales dans le sentiment d’enfermement. 

La ville et son impact dans la diégèse

Au-delà de l’enfermement par l’utilisation du décor urbain, la ville a un réel effet sur les personnages et le sentiment de claustration. Les personnages se font séquestrer dans l’espace urbain et dans le lieu même de la narration. 

En effet, Lee progresse dans la ville de manière automatique : il fréquente les mêmes lieux (les bars étouffants – son appartement encombré – les hôtels de passe miteux) ; les mêmes personnes (son ami Joe – des foules d’inconnus – ces personnages homosexuels, sans identité). La routine au sein de la ville est asphyxiante, impactant chaque partie du personnage qui s’enfonce dans une vie passive, hors de contrôle : Lee est un personnage alcoolique et dépendant — et cette dépendance, d’abord en matière de drogue, se transfère par la suite sur le personnage d’Allerton. Ainsi, Lee se perd dans sa relation avec Allerton, il se perd dans son addiction, il se perd dans la ville.

De ce fait, Lee et Mexico se mélangent pour ne former qu’une identité : un personnage qui se perd et s’enfonce, sans échappatoire possible. Mexico devient surréaliste, au sens plastique du terme : l’enfermement est omniprésent ; la vie y est déformée (citons ici la scène finale où Lee subit des hallucinations dans une chambre d’hôtel, où des yeux immensément grands l’observent depuis la fenêtre et où l’enchaînement des plans suppose une folie certaine chez le personnage) et la raison fuit les lieux. 

La ville, et par extension Lee, est étrange, insaisissable. L’état de vie n’y est que passif, végétatif. Mexico devient un lieu de perte, à l’image d’une forêt urbaine où chaque coin de rue n’est qu’un pas de plus dans l’isolement et l’aliénation. 

La jungle, ou l’état suréminent

Traditionnellement, la forêt vient en opposition à la ville. Comme l’espace urbain, ce lieu naturel est porteur de symboles : inquiétant, mystique, zone d’exploration. 

Dans Queer, cette forêt est tropicale : Luca Guadagnino nous dresse le portrait d’une jungle. La jungle, au-delà de l’aspect inquiétant qu’elle peut porter, est traditionnellement perçue comme plus dense, c’est un réel lieu d’aventure et de découverte. Bien qu’arrivant sur la fin du film, la forêt tropicale est centrale dans le développement de l’histoire et des personnages. 

La jungle et sa mise en scène

Comme la ville, la jungle nous est représentée sous deux angles. 

  • Le premier regard que pose le spectateur se fait sur une série de plans qui parcourent la forêt tropicale de nuit. Ici, la jungle est montrée dans un espace immense, mais pourtant défini. Contrairement à la ville, la caméra nous offre une vue englobante du lieu, qui permet de se situer dans cette nature. 
  • Par la suite, nous retrouvons Lee et Allerton dans l’exploration de cette jungle. Est alors utilisée l’iconographie liée à l’exploration sauvage : la nature est dense, humide et semble immaculée de toute trace humaine. Cette représentation, progressive, place la jungle sur plusieurs plans : elle est d’abord un lieu d’aventure ; ensuite, et par extension, elle devient paysage état d’âme, où il faut un réel dépassement de soi pour la parcourir ; enfin, elle devient lieu d’intimité, de sensualité. 

La nuit, omniprésente, dans la jungle, vient en opposition de la nuit en ville : là où l’obscurité était signe d’enfermement dans la zone urbaine, elle devient un lieu d’exploration — à la fois de l’espace, de soi et de l’autre, dans une intimité forte.

La jungle et son impact sur la diégèse

La forêt tropicale, tout comme la ville, est reléguée au rang de décor, mais elle est aussi porteuse du développement de l’histoire et de ses personnages. Dans Queer, la jungle est certes un lieu d’altération de soi, mais elle est surtout un lieu de réunification. Cela passe par plusieurs étapes et suit une réelle évolution dans le film.

Tout d’abord, entre la ville et la forêt se matérialise un sevrage. Si cet état marque davantage la cure de Lee qui est en manque flagrant de drogue, il marque aussi un effet de seuil, une période transitoire, entre l’enfermement de la ville et l’évasion dans la nature. Le passage du monde urbain à la nature représente, en soi, une étape clé dans le développement de l’histoire et des personnages. 

Après l’état de seuil dû à la cure vient l’entrée dans la jungle. Cette étape d’exploration et d’aventure marque une nouvelle fois l’état de la narration et l’état des personnages. Commence ici une réelle quête : la quête de la drogue et, avec elle, la quête de soi. Cette période montre le détachement de Lee par rapport à l’enfermement de la ville. Le danger des lieux devient source de dépassement de soi et de reprise de contrôle. 

L’exploration laisse alors place à la rencontre de l’autre. Dans le film, cela se matérialise par la rencontre de  deux chercheurs au milieu de la jungle —ceux-ci travaillant sur le Yage et ses effets. Si la première interaction entre Lee, Allerton et les chercheurs est violente, ces nouveaux personnages prennent finalement la place de récepteurs, d’auditeurs face à l’expérience de la jungle que relatent les protagonistes. 

A posteriori, la rencontre avec les spécialistes de la drogue recherchée permet à Lee et Allerton de tester ladite drogue. Cette expérience est pour eux transcorporelle : les limites du corps et de l’esprit sont floues alors que le dépassement de soi et de l’autre est montré et est mis en avant à l’écran. C’est le point culminant de cette exploration de soi via la jungle.

Finalement, les bienfaits de la jungle sur les protagonistes s’arrêtent brusquement lorsque Allerton fuit la jungle, et surtout, se détache de sa relation d’emprise avec Lee. Ce dernier, quant à lui, décide de rester dans cet environnement libérateur. 

Ainsi, la forêt tropicale est à la fois le décor de l’action et une actrice principale de la diégèse : c’est par la jungle que les personnages évoluent, se découvrent et reprennent le fil de leur vie. La forêt révèle l’intériorité même des individus qu’elle accueille, elle les forme. Ce passage dans la forêt se présente comme une renaissance de chacun, une réelle réinvention de soi. 

A l’orée de la jungle urbaine, la forêt

Queer est d’abord une perte de soi. La matérialité de la ville et de son enfermement n’est qu’une représentation de l’intériorité des personnages. L’espace liminal que dessinent les limites de la ville ne peut pas, dans cet état, être dépassé. Le changement de décor, de la ville à la jungle, est à la fois significatif et vital. L’affaissement du corps et de l’esprit dans ce lieu doit être dépassé. 

Luca Guadagnino, en proposant de poursuivre l’action au-delà du roman de William S. Burroughs, permet aux personnages de sortir de cet enfermement urbain. Cette suite est la matérialisation du dépassement des limites de la ville, du corps et de l’esprit que permet le changement de cadre. La forêt devient maîtresse de l’action et du devenir des personnages : elle forge, au-delà d’une conscience de soi et d’une expérience transcendante, une révolution intérieure.La forêt tropicale se forge à l’image de la Beat Generation : c’est une ode à la liberté et à l’exploration psychique et sensuelle. A la fois poétique — par son apport esthétique et symbolique — et scandaleuse — violente dans ce qu’elle propose et représente — la forêt est émancipatrice.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
margauxlebret (14 novembre 2025). Queer : la forêt luxuriante de Luca Guadagnino. Festival Transversales. Consulté le 9 décembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/155a3


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